Dix œuvres d’art que l’on ne s’attend pas à voir à Los Angeles

Pour les amateurs d’œuvres d’art, Los Angeles est une destination incontournable, pleine de trésors culturels venus du monde entier. Beaucoup de ces œuvres légendaires sont inattendues à Los Angeles, depuis les Iris de Van Gogh et le Flower Day de Diego Rivera jusqu’à The Thinker et The Blue Boy.

Tout au long de sa carrière, l’artiste mexicain renommé Diego Rivera a réalisé des peintures représentant les peuples indigènes du Mexique. L’une de ses œuvres les plus célèbres est Flower Day (Día de Flores). Cette œuvre datant de 1925 est exposée de manière permanente dans le Art of the Americas Building au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Certaines de ses techniques de style sont empruntées aux premières peintures cubistes de Rivera. Flower Day est la première œuvre majeure de Rivera à être rentrée dans une collection publique aux Etats-Unis.

La Trahison des images (Ceci n’est pas une pipe) fut peinte en 1929 par l’artiste belge René Magritte, alors âgé de 30 ans. La Trahison des images est un chef d’œuvre du surréalisme et une icône de l’art moderne. Cette œuvre est actuellement exposée dans l’Ahmanson Building,  au LACMA. La Trahison des images fait partie d’une série de peintures sur les rapports entre mots et représentation de la fin des années 1920, qui se penche sur l’impossibilité de réconcilier mots, images et objets. Dans La Trahison des images, Magritte exprime le fait que la peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet.  L’utilisation de texte dans les peintures a influencé une jeune génération d’artistes, comme Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Edward Ruscha et Andy Warhol.

En 1889, Vincent van Gogh s’est rendu de lui-même dans un asile de Saint-Rémy, en France, où il peignit près de 130 œuvres au cours de la dernière année de sa vie. Lors de la première semaine qu’il passa dans cet asile, van Gogh commença à travailler sur les Iris, inspiré par le jardin. L’influence de la gravure sur bois japonaise peut se voir dans cette composition, avec des contours forts, des gros plans et beaucoup d’iris. Chaque Iris de Van Gogh est unique; il a attentivement étudié leurs mouvements et leurs contours, afin de créer des silhouettes arrondies bordées de lignes ondulantes. Le premier propriétaire de la peinture fut le critique d’art français Octave Mirbeau, qui l’acquit pour la somme de 300 francs. En 1987, Iris devint la peinture la plus chère du monde, et ce durant deux ans et demi. Elle fut rachetée par le J. Paul Getty Museum en 1990 et est exposée au Getty Center à Brentwood. En 2012, les Iris figuraient à la 10e place de la liste (ajustée en fonction de l’inflation) des peintures les plus chères du monde.

L’une des peintures les plus célèbres de Pierre-Auguste Renoir, La Promenade, est également exposée dans la même pièce que les Iris, au Getty Center. Renoir, avec Claude Monet, fut l’un des fondateurs de l’impressionnisme, qui libéra les artistes de la contrainte de devoir raconter une histoire dans leurs peintures et leur permit de simplement retranscrire ce qu’ils voyaient.  Peinte en 1870, 0 dépeint un couple parisien issue de la classe moyenne avec la nature en toile de fond. L’utilisation faite par Renoir de la lumière du soleil filtrée par le feuillage deviendra l’une de ses signatures. 

Parmi les œuvres également situées dans la même pièce qu’Iris et Promenade, citons la série d’études emblématiques de Claude Monet, Les Nymphéas, Les Cathédrales de Rouen et Impression, Soleil Levant. Cette dernière série donna son nom au courant impressionniste.

La grande vague de Kanagawa (1831-1833) est une gravure sur bois réalisée par l’artiste japonais Katsushika Hokusai. Elle fut la première de la série de gravure d’Hokusai, Trente-six vues du Mont Fuji. La grande vague de Kanagawa est l’œuvre la plus connue d’Hokusai et l’une des plus reconnues de l’art japonais dans le monde.  La gravure représente une énorme vague (okinami, pas un tsunami comme on l’appelle parfois par erreur) s’enroulant autour de bateaux près de la préfecture de Kanagawa, avec le Mont Fuji au loin. Des copies de la gravure sont exposées dans de célèbres musées occidentaux, comme au Metropolitan Museum of Art à New York City, au British Museum à Londres et The Art Institute à Chicago. A Los Angeles, La grande vague de Kanagawa fait partie de la collection du UCLA Grunwald Center for the Graphic Arts, située à l’étage supérieur du Hammer Museum à Westwood. Le Grunwald Center est ouvert aux étudiants d’UCLA et au public, sur rendez-vous uniquement. Appelez au (001) 310.443.7078 pour programmer une visite.

Le Dr Samuel-Jean Pozzi était un célèbre chirurgien français de la Renaissance, « père de la gynécologie française » et également soldat, politicien et collectionneur d’art. Son ami John Singer Sargent était un artiste américain célèbre dans le monde entier pour ses portraits. Samuel Pozzi chez lui (1881), un portrait grandeur nature du beau docteur notoirement connu pour être un Don Juan, est l’une des œuvres les plus connues de Sargent. Loin des frocs noirs qu’un physicien du XIXe siècle aurait normalement dû porter sur un portrait, le Dr Pozzi est représenté dans une élégante robe de chambre rouge sang, avec des rideaux cramoisis en toile de fond. Armand Hammer racheta Samuel Pozzi chez lui Dr au fils de Pozzi en 1967 pour sa collection, et fit exposer cette œuvre au public au Hammer Museum à partir de 1991.

La peinture la plus célèbre de The Huntington Library, Art Collections & Botanical Gardens est L’Enfant bleu de Thomas Gainsborough (aux environs de 1770). Il s’agit d’un portrait de Jonathan Buttall, le fils d’un riche marchand qui fut un ami proche de l’artiste. Gainsborough habilla son fils d’un costume datant de 140 ans avant l’époque où fut peint le tableau, peut-être en hommage au maître flamand Anthony van Dyck. Au grand désarroi du public anglais, L’Enfant bleu fut vendu au magnat américain des chemins de fer Henry E. Huntington en 1921 pour un prix alors record de 728 800 $. Avant de quitter la Californie, l’Enfant bleu fut brièvement exposé au public à la National Gallery de Londres, où il fut vu par environ 90 000 personnes. 

Presque aussi connu que l’Enfant bleu, le portrait de Thomas Lawrence, Pinkie, est exposé dans la même galerie. Ces deux peintures sont devenues tellement célèbres et populaires que depuis lors, les parents du monde entier habillent leurs petits garçons en bleu et leurs petites filles en rose.

Inspiré de la Madame Moitessier du peintre français néo-classique Jean-Auguste-Dominique Ingres, la Femme au livre est un portrait peint en 1932 par Pablo Picasso. La Femme au livre est exposée au Norton Simon Museum, à Pasadena. Le modèle de Picasso fut Marie-Thérèse Walter, sa maîtresse de l’époque. Picasso rencontra la très jeune Walter par hasard dans un grand magasin parisien, et l’on rapporte qu’il lui aurait dit : « vous avez un visage intéressant. J’aimerais faire un portrait de vous. Je suis Picasso. » La suite est l’histoire de l’art moderne. Walter inspira à Picasso d’innombrables peintures, sculptures, dessins et gravures. Dans La Femme au livre, Walter lève les yeux de son livre et rêvasse, son image reflétée dans le miroir derrière elle. 

Le Penseur est une emblématique sculpture en bronze sur un piédestal en marbre, signée par le sculpteur français Auguste Rodin. Commencée en 1902, cette sculpture dépeint un homme en train de méditer et est souvent utilisée pour représenter la philosophie. Les sourcils froncés et les poings serrés indiquent qu’il est en proie à une lutte interne. Plusieurs sculptures originales et monumentales sont exposées à travers le monde entier. La n°11 se trouve au Norton Simon Museum.

L’une des plus belles statues de la Rome Antique est exposée à la Villa Getty, à  Malibu. Daté autour de 125 av. J.C., l’Herakles de Lansdowne représente le héros grec avec un gourdin sur l’épaule gauche et la peau du mythique Lion de Némée dans la main droite. Trouvé à proximité des ruines de la villa de l’empereur Hadrien, sur le Tivoli, près de Rome, l’Herakles de Lansdowne fut probablement inspiré d’une statue grecque égarée. L’Herakles de Lansdowne est l’une des nombreuses copies des sculptures grecques commandées par Hadrien, grand amateur de cette culture.  La statue tient son nom de Lord Lansdowne, qui fut propriétaire de Herakles et l’exposa dans sa demeure londonienne.